Женщины-художники разных времен и народов. По мотивам книги американского профессора-искусствоведа Дебры Манкофф «Женщины-художники за работой». (На русский язык не переводилась)
Часть 4. Век XX.
В XIX веке феминистское движение развернулось в полную силу: женщины активно участвовали в общественном движении, получали востребованные профессии, они уже могли содержать себя сами и иметь независимый гражданский статус. В некоторых странах они получили избирательное право. Возможности женщин-художников также сильно возросли — наиболее упорные из них сумели получить официальное образование. Многие получали творческую и выставочную поддержку от своих мужей — также художников. Женщины пробовали себя в самых разных живописных стилях, нетипичных для женщин жанрах.
XX же век, с дальнейшим оживлением общественной жизни, дал женщинам еще больше возможностей.
Одна из видных представителей немецкого авангарда — Габриэла Мюнтер, жена знаменитого на весь мир Василия Кандинского, основоположника абстракционизма.
Василий Кандинский, Портрет Габриэлы Мюнтер. Городская галерея Ленбаххауз, Мюнхен.
Она была активной участницей его концептуального художественного объединения Синий Всадник в Мюнхене, которое развивало экспрессионистский стиль в живописи. Сама она также работала в этом стиле.
Габриэла Мюнтер, Автопортрет. Принстонский университет, США.
Она получила образование в Мюнхенской Академии художеств, занималась в частной школе искусств Фаланкс, где училась у Хюстена и Кандинского.
Габриэла Мюнтер, Мурнау. Частная коллекция.
Когда в 1933 году к власти в Германии пришли нацисты, экспрессионизм, как и все направления авангарда, был объявлен дегенеративным искусством. Габриэла осталась без работы и без возможности выставляться. Но все же она сумела сохранить работы свои и Кандинского в своем доме в Мурнау. Она пережила нацизм, умерла в 1962 году в возрасте 85 лет.
Англичанка Лора Найт (часто пишут Лаура) — художник не простой. Она кавалерственная дама, то есть обладательница дамского варианта рыцарского статуса. Звание это она получила в 1929 году за заслуги перед Великобританией в области живописи и культуры.
Лора Найт, Автопортрет обнаженной. Национальная портретная галерея, Лондон.
А начиналось все почти с хулиганства! Этот хитрый автопортрет произвел фурор в 1913 году! А хитрость его в том, что художница изобразила себя три раза: у мольберта, в виде модели и на полотне. Специалисты относят ее работы раннего периода к импрессионизму и постимпрессионизму.
Лора Найт, Подъем аэростата. Галерея Ковентри, Великобритания..
В период второй мировой войны Лора активно сотрудничает с правительственным Художественным Агентством, что-то вроде советского Агитпропа. Она зарисовывает эпизоды войны и пишет портреты героев. После войны — зарисовывает весь ход знаменитого Нюрнбергского процесса над нацистскими преступниками. Работы этого периода специалисты считают реалистическими.
Фрида Кало, Две Фриды. Музей современного искусства Мексики.
Следующая художница — легендарная Фрида Кало, мексиканская коммунистка, женщина трудной и трагической судьбы. Она была женой культового художника Диего Риверы и подругой гения революции Льва Троцкого. В раннем детстве она перенесла полиомиелит и всю жизнь страдала от его последствий — хромала. В 18 лет она попала в ужасную автокатастрофу, после которой ее буквально собирали по кускам.
Фрида Кало, Да здравствует жизнь. Дом-музей Фриды Кало.
В течение года она была прикована к кровати. Именно тогда она начала — не заниматься живописью — сразу писать автопортреты. Выбор жанра объясняется просто — у нее были неподвижны ноги, даже выглядывать в окно она не могла. Так что оставалось только смотреть в зеркало.
«Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому, что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
В истории искусства она известна прежде всего множеством своих автопортретов.
Фрида Кало, Здесь висит мое платье/Нью-Йорк. Музей Дворца изобразительных искусств, Мексика.
Специалисты относят творчество Фриды к разным стилям: символизму, сюрреализму, некоторые работы — к реализму. Но все они несут в себе отпечаток трагических событий ее жизни, выражают постоянную борьбу с болью, болезнями, какими-то тяжелыми обстоятельствами. И все несут на себе приметы левого мировоззрения художницы, а также ее увлечения народным мексиканским искусством, культурой доколумбовых цивилизаций Америки. В Мексике Фрида Кало — народная героиня.
Сюрреализм вообще наиболее активно развивался в XX веке. И сейчас — о трех художницах-сюрреалистках, которые, так уж случилось, еще и связаны с Латинской Америкой.
Ремедиос Варо, Создание птиц. Университет Симона Боливара, Венесуэла.
Ремедиос Варо — испанская художница, закончившая Академию Сан-Фернандо. С началом Гражданской войны в Испании переехала в Мексику, где нашла дружбу и поддержку у Фриды Кало и Диего Риверы. Ее работы специалисты сравнивают с творчеством самого загадочного мастера Северного Возрождения Иеронима Босха. Жившего в XV-XVI веках Босха некоторые называют средневековым сюрреалистом. Находят в работах Варо также и влияние Франсиско Гойи и Питера Брейгеля.
Леонора Каррингтон, Пастораль. Национальный музей Мексики.
Леонора Каррингтон — полуангличанка-полуирландка, в 20 лет влюбилась в гения европейского авангарда Макса Эрнста, уехала с ним во Францию и стала художницей-сюрреалисткой. Спасаясь от нацистской оккупации, уехала в Испанию, где по распоряжению богатого отца была помещена в психиатрическую клинику. Бежала из нее в Мексику, где и подружилась с Фридой Кало и Ремедиос Варо. Работы ее — мрачноватые фантасмагории, напоминающие бред безумца.
Сьюзан Седдон-Булет, Амфитрита. Частная коллекция.
Сьюзан Седдон-Булет родилась в Бразилии в семье английских эмигрантов. Училась в пансионе благородных девиц в Лозанне, в Швейцарии, где отдельно занималась изобразительным искусством. Всерьез живописью занялась уже в браке, живя в США, но детство, проведенное в Бразилии сильно отразилось на ее работах. Ее люди-животные и люди-птицы, шаманы и языческие божества имеют черты этнических индейцев. Это мир фэнтези, где люди сливаются с животными и силами природы. Художница создала множество работ, которые разошлись по частным коллекциям. Нет ни музея, посвященного ей, ни даже статьи в Википедии, ни нашей, ни англоязычной. Остался лишь волшебный мир ее образов.
Сильвия Слэй, Групповой портрет Галереи A.I.R., 1972. Национальный музей Женщины в искусстве, США.
Следующая художница, валлийка Сильвия Слэй — активнейшая феминистка. Она закончила Школу искусств в Брайтоне, на юге Англии, а позже — Факультет искусств Лондонского университета. Ее феминистические взгляды на жизнь и искусство заставили ее переехать в США. Муж ее, Лоуренс Эллоуэй, известный галерист и теоретик искусства, ее во всем поддерживал. Вместе со своим окружением они полностью погрузились в идеологию и эстетику хиппи, и на картинах Сильвии это особенно заметно. В конце 60-х супруги основали в Нью-Йорке объединение женщин-художников-феминисток, по типу коммун хиппи, которое назвали A.I.R. Gallery.
Сильвия Слэй, Ботичелли, Венера и Марс. Галерея Лоры Рейнольдс, Остин, США.
Сильвия, работавшая в стиле реализма, придерживалась очень радикальных взглядов на цели и задачи искусства и на роль женщин в нем. Она считала, что мужчины пишут обнаженную женскую натуру не из соображений прекрасного, а исключительно из животных инстинктов. Она пыталась доказать, что мужское тело не менее красиво, чем женское, в доказательство чего ей было написано множество работ с обнаженной мужской натурой. Но этого ей было мало. Она пыталась по-своему перетолковать всю историю искусства, поэтому постоянно писала картины-перифразы на известные мировые шедевры. Так, была написана картина Турецкая баня, точная калька со знаменитой картины Жана-Огюста Энгра. Только вместо томных красавиц-одалисок в бане были изображены современные ей длинноволосые красавцы, причем, один играл на гитаре, повторяя мизансцену Энгра. Картина, помещенная выше — перифраз известной работы Сандро Ботичелли. Были написаны кальки с картин Благовещение Яна Ван Эйка, Школа Пана Луки Синьорелли, многие другие. Сильвия Слэй умерла в 2010 году в возрасте 94 лет.
Паула Регу в своей студии.
Еще одна представительница современного искусства — португалка Паула Регу (иногда пишут Рего) — жива и сейчас, хотя ей уже 83 года. Она училась живописи в Школе искусств Слэйда, в Лондоне. С 1976 года окончательно поселилась в Лондоне вместе с мужем-англичанином и тремя детьми. Творчество ее часто определяют словом фигуративизм.
Паула Регу, Танцы под луной. Галерея Тэйт, Лондон.
Фигуративизм — это термин в живописи, когда акцент делается на фигуре человека или изображении человека или животных. В фигуративизме, в отличие от других жанров, это подчёркнуто особенно сильно при помощи различных техник, например, ярких цветов, причудливых и вычурно гротескных форм, чётких контрастов и так далее.
Паула Регу, Танцующие страусы, часть триптиха. Галерея Саатчи, Лондон.
Считается, что фигуративизм в живописи противопоставлен абстракционизму. Стиль Регу, однако же, часто сравнивали с мультфильмами и книжными иллюстрациями. Более поздние работы Регу выполнены в более реалистичном духе, но порой сохраняют ассоциации с животными (женщины-собаки, балерины-страусы).
И для позитива — две современные молодые художницы. Они пока далеки от серьезных исследователей их творчества, работы их продаются в частные коллекции. Но ведь все когда-то начиналось с этого…
Эльжбета Брожек, Женский портрет. Частная коллекция.
Польская художница Эльжбета Брожек — наша современница, работающая в основном в жанре портрета, хотя есть и романтические пейзажи, и цветочные натюрморты. В некоторых случаях она пишет в стиле реализма, а в других можно увидеть влияние символизма уже упоминавшегося австрийского художника Густава Климта.
Эльжбета Брожек, Паруса. Частная коллекция.
Эльжбета Брожек училась в Национальном лицее изобразительных искусств в Домброва-Гурнича, а затем закончила Академию художеств
Эльжбета Брожек, Маки. Частная коллекция.
За 15 лет работы она разработала свой собственный уникальный стиль, который фанаты ее творчества называют огненным.
Димитра Милан, Серия Море. Галерея Милан Арт Институт, США.
В 2016 году эта девочка — Димитра Милан — была мировой сенсацией. В возрасте 16 лет она стала активно выставляться, ее работы раскупались в галереи Америки и частные коллекции.
Димитра Милан, Серия Волки. Частная коллекция.
Димитра выросла в семье американских художников с греческими корнями. Она с самого раннего возраста училась у своих родителей. Когда ей исполнилось 12 лет, они открыли авторское художественное училище, Милан Арт Институт, чтобы она могла посещать любые занятия, какие захочет. Упорно занимаясь, она выработала своеобразный, фантазийный стиль живописи, сочетая классические техники с медиа-приемами. Сейчас ей 18, и у нее еще все впереди.
Comments are closed, but trackbacks and pingbacks are open.